Tim Van Laere Gallery Rome is pleased to present Lust for Life, a group exhibition with works by Carroll Dunham, Gelitin, George Grosz, Sarah Lucas, Ben Sledsens, Rinus Van de Velde, Franz West, and Rose Wylie. Borrowing its title from the iconic Iggy Pop anthem, Lust for Life stands as a rejoinder to the tension and uncertainty of the present. Rather than retreat, the show places emphasis on energy, desire, humor, defiance, and the irrepressible drive to create. Across generations and sensibilities, these artists share an insistence on the charged, combustible experience of being alive and on art as a space where that vitality can be confronted, celebrated, and felt.

 

The works The Invasion and Waiting for Better Times by George Grosz stand at the heart of this exhibition. These works of 1947 and 1933 resonates strongly with our current times. They present lust for life turned inside out: what happens when that vital force is blocked, corrupted, or conscripted by ideology and power. Grosz shows a world where bodies are still moving, still acting, but aliveness has been drained of pleasure, tenderness, and choice. Desire hasn’t disappeared; it’s been weaponized. Life continues, but in a state of moral and spiritual malnutrition. The figures in The Invasion feel driven rather than alive. They march, brandish, prod, and follow, as if caught in a collective trance. In Waiting for better Times, Grosz depicts two people in an almost frozen state. Numbness is not the absence of activity, but the absence of presence. Grosz exposes a society where intensity exists, as violence, frenzy, spectacle, but is severed from care, humor, or sensuality. It’s intensity without intimacy. It shows the cost of a world that suppresses desire instead of allowing it to be messy, mutual, and human. Where others insist on staying sensate, Grosz shows what happens when sensation is flattened into obedience and cruelty. Yet, these drawings are ferociously alive. The nervous lines, the acid color, the manic detail, all of it pulses with urgency. Grosz refuses passivity as an artist even as he depicts it as a social condition. That tension is crucial: the works do not numb the viewer; they agitate them. It keeps perception awake. These pieces anchor the exhibition’s darker register. They remind us that lust for life is not guaranteed. It must be defended. When vitality is denied room to be awkward, erotic, humorous, or tender, it doesn’t disappear; it mutates. Grosz shows us that mutation with brutal clarity, making his works not an outlier, but the shadow that gives the rest of the exhibition its stakes. They reflect the human need to always have hope that better times will come. 

 

Moving between painting, sculpture, and works on paper, the exhibition further unfolds as a series of encounters (sometimes tender, sometimes abrasive, often mischievous) where bodies, fantasies, memories, and cultural icons collide. Figuration slips into caricature, intimacy veers toward the grotesque, and high art rubs shoulders with popular imagery. The result is a visual language that is unapologetically human: messy, humorous, erotic, melancholic, and fiercely alive. Throughout the gallery, gestures oscillate between vulnerability and bravado. Delicate lines and saturated colors coexist with blunt physicality and material excess. There is a persistent sense of play, but also of resistance: against propriety, against despair, against the dulling of sensation. Whether through exaggerated bodies, warped perspectives, or subversive reworkings of familiar images, the works insist on feeling; on pleasure, awkwardness, longing, and laughter, as vital forces. 

 

In our current moment, when life is increasingly filtered through screens, metrics, and crisis language, a lust for life becomes a form of insistence. Not optimism, not denial, but a refusal to go numb. It is the decision to stay sensate, to feel desire, discomfort, humor, pleasure, and contradiction, even as the world encourages detachment or exhaustion. This lust for life shows up as excess, awkwardness, and embodiment. It lives in unruly bodies, in sexual charge that is funny rather than glamorous, in forms that bulge, slouch, or sprawl instead of behaving. Against a culture obsessed with control, efficiency, and polished identities, these gestures insist on the body as something messy, libidinal, and alive. Desire here is not refined; it’s proof of pulse. At the same time, lust for life can be quiet and attentive. It appears in slowness, in devotion to interiors, gardens, daily rituals, and acts of care. In a world driven by urgency and spectacle, choosing softness and beauty without irony becomes radical. To linger, to look closely, to paint or build as an act of attention is to protect inner life from being eroded by constant alarm. There is also humor; crude, ridiculous, collective humor that refuses seriousness as the only valid response to crisis. Laughter, participation, and physical togetherness become tools for survival. In their chaos and absurdity, these gestures push back against isolation and the privatization of experience. They remind us that life is not meant to be managed alone or experienced at a distance.

 

Lust for Life does not propose optimism as a solution to the present moment. Instead, it asserts stamina. It insists that pleasure, desire, humor, care, and excess are not distractions from reality, but ways of staying inside it. In a world that benefits from exhaustion and detachment, this exhibition argues that choosing intensity, choosing to remain sensate, awkward, and awake, is a quietly radical act. To lust for life today is to refuse the idea that despair is the most “intelligent” response. It’s choosing presence over paralysis. It’s noticing the way sunlight hits a kitchen table, or how a song can still knock the breath out of your chest, and letting that matter. Not because it solves anything, but because it reminds you that you are still here, and that being here is not neutral.

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Tim Van Laere Gallery Rome è lieta di presentare Lust for Life, una mostra collettiva con opere di Carroll Dunham, Gelitin, George Grosz, Sarah Lucas, Ben Sledsens, Rinus Van de Velde, Franz West e Rose Wylie. Prendendo in prestito il titolo dall’iconico brano di Iggy Pop, Lust for Life si propone come una risposta alla tensione e all’incertezza del presente. Invece di chiudersi in sé, la mostra pone l’accento su energia, desiderio, ironia, spirito di sfida e sull’irriducibile impulso a creare. Attraverso generazioni e sensibilità differenti, questi artisti condividono un interesse per l’esperienza intensa e quasi esplosiva dell’essere vivi, e concepiscono l’arte come uno spazio in cui tale vitalità può essere esplorata, celebrata e percepita.

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Le opere The Invasion e Waiting for Better Times di George Grosz occupano una posizione centrale all’interno della mostra. Realizzate rispettivamente nel 1947 e nel 1933, queste opere risuonano con forza nel nostro presente. Esse mostrano la voglia di vivere rovesciata: cosa accade quando quella forza vitale viene bloccata, corrotta o arruolata dall’ideologia e dal potere. Grosz rappresenta un mondo in cui i corpi continuano a muoversi e ad agire, ma la vitalità è stata svuotata di piacere, tenerezza e possibilità di scelta. Il desiderio non è scomparso: è stato trasformato in un’arma. La vita prosegue, ma in uno stato di malnutrizione morale e spirituale. Le figure in The Invasion appaiono spinte da una forza esterna più che realmente vive. Marciano, brandiscono, pungolano e seguono, come se fossero intrappolate in una trance collettiva. In Waiting for Better Times, Grosz ritrae due persone in uno stato quasi congelato. L’impassibilità non è assenza di attività, ma assenza di presenza. Grosz mette a nudo una società in cui l’intensità esiste sotto forma di violenza, frenesia e spettacolo, ma è recisa da ogni cura, ironia o sensualità: un’intensità senza intimità. È il prezzo di un mondo che reprime il desiderio invece di permettergli di essere disordinato, reciproco e umano. Là dove altri insistono sul restare sensibili, Grosz mostra cosa accade quando la sensazione viene appiattita in obbedienza e crudeltà. Eppure questi disegni sono ferocemente vivi. Le linee nervose, i colori acidi, il dettaglio maniacale: tutto pulsa di urgenza. Grosz rifiuta la passività come artista proprio mentre la raffigura come condizione sociale. Questa tensione è fondamentale: le opere non anestetizzano lo spettatore, lo scuotono. Mantengono la percezione vigile. Questi lavori segnano il tono più oscuro della mostra e ci ricordano che la voglia di vivere non è garantita: va difesa. Quando alla vitalità viene negato lo spazio per essere goffa, erotica, ironica o tenera, essa non scompare, ma muta. Grosz ci mostra questa mutazione con brutale chiarezza, rendendo le sue opere non delle eccezioni, ma l’ombra che conferisce senso e urgenza all’intera esposizione. Esse riflettono il bisogno umano di mantenere sempre viva la speranza che possano arrivare tempi migliori.

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La mostra si muove tra pittura, scultura e opere su carta e si sviluppa come una serie di incontri, talvolta teneri, talvolta abrasivi e spesso irriverenti, in cui corpi, fantasie, memorie e icone culturali entrano in collisione. La figurazione scivola nella caricatura, l’intimità vira verso il grottesco e l’avanguardia si confronta all’immaginario popolare. Ne risulta un linguaggio visivo dichiaratamente umano: disordinato, ironico, erotico, malinconico e intensamente vivo. All’interno della galleria, i gesti oscillano tra vulnerabilità e spavalderia, mentre linee delicate e colori saturi convivono con una fisicità diretta e con l’eccesso materiale.  Si avverte un persistente senso di gioco, ma anche di resistenza: contro il decoro, contro la disperazione, contro l’ottundimento della sensibilità. Attraverso corpi esagerati, prospettive deformate o riletture sovversive di immagini familiari, le opere rivendicano il sentire come forza vitale, dando spazio al piacere, alla goffaggine, al desiderio e alla risata.

 

In un’epoca in cui la vita passa sempre più attraverso schermi, metriche e linguaggi di crisi, la voglia di vivere si trasforma in una forma di resistenza. Non è ottimismo né negazione, ma un rifiuto di anestetizzarsi, una scelta di restare sensibili e di sentire desiderio, disagio, ironia, piacere e contraddizione, anche quando il mondo spinge al distacco o alla stanchezza. Questa voglia di vivere si manifesta attraverso eccesso, goffaggine e corporeità. Abita in corpi indomabili, in cariche sessuali che divertono più che apparire glamour, in forme che si gonfiano, si accasciano o si distendono invece di “comportarsi”. In una cultura ossessionata dal controllo, dall’efficienza e dalle identità levigate, questi gesti affermano il corpo come qualcosa di disordinato, libidinale e vivo. Qui il desiderio non è raffinato; è prova di vitalità. Allo stesso tempo, la voglia di vivere può essere quieta e attenta. Si manifesta nella lentezza, nella devozione agli interni, ai giardini, ai rituali quotidiani e agli atti di cura. In un mondo guidato dall’urgenza e dallo spettacolo, scegliere morbidezza e bellezza senza ironia diventa radicale. Soffermarsi, osservare da vicino, dipingere o costruire come gesto di attenzione significa proteggere la vita interiore dall’erosione provocata dall’allerta costante. C’è anche umorismo: crudele, ridicolo, collettivo, che rifiuta la serietà come unica risposta valida alla crisi. Risata, partecipazione e vicinanza fisica diventano strumenti di sopravvivenza. Nel caos e nell’assurdità di questi gesti, si reagisce all’isolamento e alla privatizzazione dell’esperienza, ricordandoci che la vita non è fatta per essere vissuta da soli o a distanza. 

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Lust for Life non propone l’ottimismo come soluzione al momento presente. La mostra afferma piuttosto la resistenza e sostiene che piacere, desiderio, ironia, cura ed eccesso non sono distrazioni dalla realtà, ma modi per restarvi pienamente immersi. In un mondo che trae vantaggio dall’esaurimento e dal distacco, scegliere l’intensità e decidere di rimanere sensibili, goffi e vigili diventa un atto quietamente radicale. Voler vivere oggi significa rifiutare l’idea che la disperazione sia la risposta più “intelligente” e scegliere la presenza invece della paralisi. Significa accorgersi di come la luce del sole colpisca un tavolo da cucina, o di come una canzone possa ancora togliere il respiro, e permettere a queste esperienze di contare. Non perché risolva qualcosa, ma perché ti ricorda che sei ancora qui, e che essere qui non è neutrale.

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